Als Kind habe ich mit Leidenschaft gezeichnet, meine Oma spricht heute noch von meinem immensen Papierverbrauch. Mir war klar, dass ich später „irgendwas mit Kunst“ machen wollte, deshalb wollte ich Künstlerin oder Kunstlehrerin werden. Später habe ich dann den Berufszweig Grafikdesign gewählt, weil ich dort so viele Dinge vereinen konnte. Für meine Kollegen habe ich Karten für etliche Anlässe gestaltet oder gezeichnet und irgendwann hat mich dann jemand gefragt, warum ich das nicht ausbaue. Instagram war damals noch nicht so bekannt, aber dort hat alles begonnen. Mit dem Projekt „One Illustration A Day“ habe ich mir meine Basis aufgebaut und von dort an nahm dann alles seinen Lauf.

In meinen Augen kann jeder zeichnen oder auch illustrieren, auch wenn derjenige denkt, er kann es nicht. Wer Spaß bei der Sache hat, ist auf dem richtigen Weg. Bei der Illustration geht es unter anderem darum, eine Idee zu vermitteln, und nicht unbedingt immer fotografisch zeichnen zu können. Man sollte sich auf keinen Fall einschüchtern lassen durch das, was andere machen, und die Frage, ob sie es besser können. Jeder findet mit der Zeit seinen eigenen Stil.

Es war tatsächlich eine lange Reise. Man kann dort sehen, wie sich mein Stil über die vergangenen fünf Jahre entwickelt hat und was ich mir selbst aufgebaut habe. Am Anfang war ich noch sehr unsicher: „Was wollen denn die Leute sehen?“, habe ich mich öfter gefragt, bis ich mich gefragt habe: „Was mache ich eigentlich am liebsten?“. Ich habe dann viele Online-Kurse belegt, um mehr über digitale und analoge Techniken von Illustration zu lernen und um zu sehen, womit ich mich am wohlsten fühle. Zwischendurch habe ich auch an Kunstmessen teilgenommen, um bekannter zu werden.

Das ist eine der schwierigsten Fragen. Am Anfang habe ich noch alles analog gezeichnet und war sehr detailverliebt, danach habe ich meine analogen Zeichnungen eingescannt und sie digital aufbereitet, um einen gewissen Effekt zu kreieren. Heute illustriere ich nur noch digital. Ich liebe es, so minimal wie möglich zu bleiben. Mit Farben und Komposition.

Ich habe ein kleines Skizzenbuch, wo ich grobe Ideen festhalte. Mit Worten oder gezeichnet. Mit diesen Ideen gehe ich dann an mein iPad, baue die Idee weiter aus und skizziere erst einmal grob vor. Dann suche ich Farbschemen, die diese unterstützen könnten und lege mir eine kleine Palette an. Von der Skizze bis zur Fertigstellung gibt es keine genaue Zeitangabe. Manchmal dauert es nur drei Stunden und manchmal sehr viel länger, weil ich ab und zu Abstand brauche und eine Pause einlege. Manchmal verändere ich kleine oder größere Sachen auch noch einmal, bis ich zufrieden bin.

Kunst, Design, Musik und Alltag inspirieren mich. Manchmal ist es nur eine Zeile aus einem Song, die ich irgendwie verbildlichen möchte. Auch Filme (zum Beispiel von Wes Anderson für Farbharmonien) regen meinen Ideenpool an. In anderen Momenten möchte ich einfach nur ein bestimmtes Gefühl vermitteln.

Manchmal, wenn ein Bild fertig ist, bin ich total zufrieden und wenige Tage danach nicht mehr. Das ist ganz unterschiedlich. Ich glaube, es liegt daran, welche emotionale Bindung ich zu dem Bild habe. „Take care of yourself“ ist eines meiner erfolgreichsten Bilder, denn die Aussage ist so unglaublich wichtig. Davon gibt es mittlerweile zwei Versionen, da sich mein Stil verändert hat. Ich mochte die erste nicht mehr und habe dann einfach eine neue illustriert. Momentan mag ich meine Sternzeichen-Illustrationen am liebsten (die limitierte Farbpalette war eine Herausforderung).

Man sollte in einer guten Stimmung zum Zeichnen sein und sich nicht gezwungen fühlen, etwas zu kreieren. Außerdem sollte man keinen Zeitdruck aufbauen und einfach den Prozess genießen. „Gut“ liegt ja immer im Auge des Betrachters und wenn man selbst zufrieden ist, ist das das Beste, was man erreichen kann.

Ein Skizzenbuch führen! So detailliert oder grob, wie ihr möchtet, und haltet eure Ideen fest. Da kann man dann jederzeit drauf zurückgreifen. Zeichnet einfach alles, was ihr seht und macht kleine Studien zu bestimmten Dingen. Jedes Medium ist erlaubt: Mit dem Bleistift kann man Fehler ausradieren, spannender ist es jedoch, wenn man mit Tinte oder einem „Ball Pen“ illustriert, denn da geht das Löschen nicht mehr. Fehler zuzulassen kann befreiend sein – es muss nicht immer alles perfekt sein!